Werken in Castel Sant’Angelo Rome: schilderijen, beelden, architectuur

Ben je van plan om een van de belangrijkste bezienswaardigheden van Rome te bezoeken en wil je weten wat er allemaal te doen is in Castel Sant’Angelo?

Laten we in deze post samen alle werken in Castel Sant’Angelo ontdekken, te beginnen met de standbeelden, dan de schilderijen en tot slot de architecturale werken.

Ben je er klaar voor? Laten we beginnen!

Wat zit er in Castel Sant’Angelo?

Architectonische werken

Misericordia Klok

Deze klok, die zich in het midden van het kasteel bevindt, is een imposante bronzen structuur met decoratief houtsnijwerk dat dateert uit de periode van het Romeinse Rijk. De klok werd in het verleden gebruikt om belangrijke gebeurtenissen aan te geven en voor religieuze doeleinden en is een icoon van de geschiedenis en spiritualiteit van het kasteel.

Korinthisch kapiteel

Dit kapiteel, met zijn ingewikkelde details en elegante vorm, is een prachtig voorbeeld van Romeinse architecturale kunst. Versierd met acanthusbladeren en andere ornamentele motieven die typisch zijn voor die periode, vertegenwoordigt het de verfijning en grandeur van de klassieke architectuur.

Vaandel van de bombardiers van Castel Sant’Angelo

Het vaandel van de Bombardiers, gemaakt van fijn textiel en rijkelijk versierd, is een symbool van de militaire kracht en glorie van het kasteel. De afbeeldingen vertegenwoordigen de heldendaden van de soldaten die de structuur door de eeuwen heen hebben verdedigd.

Schilderijen

Cavalier d’Arpino, Portret van Prospero Farinacci

Portret van Prospero Farinacci: Bron Wikipedia

In Cavalier d’Arpino’s Portret van Prospero Farinacci worden we geconfronteerd met een beeld dat de essentie weergeeft van een strenge, oudere man die voor een tafel in een sobere studeerkamer zit. Zijn ernstige uitdrukking weerspiegelt de diepte van zijn gedachten terwijl hij een boek openhoudt en met zijn vinger wijst naar een brief gericht aan de‘Fiscale Koning van Rome voor Gioseppe d’Arpino‘. Deze handtekening en de toewijding van de kunstenaar aan de geportretteerde, de beroemde jurist en advocaat Prospero Farinacci, zijn details die het schilderij een speciale betekenis geven.

Dit werk, een zeldzaam voorbeeld van een portret van Cavalier d’Arpino dat tot op de dag van vandaag bewaard is gebleven, is door kunsthistorici gedateerd op 1607. In dat jaar was de kunstenaar betrokken bij een proces wegens illegaal wapenbezit, een gebeurtenis die zijn leven en carrière heeft getekend. Farinacci speelde als fiscaal procureur-generaal mogelijk een sleutelrol in deze zaak en het portret kan een gebaar van dankbaarheid zijn geweest of zelfs een vorm van beloning voor bewezen diensten.

Deze afbeelding biedt ons niet alleen een kijkje in de imposante figuur van Farinacci, maar leidt ons ook in de kronkels van de geschiedenis en politiek van die periode, wat een extra fascinatie toevoegt aan dit kostbare kunstwerk.

Carlo Crivelli, De zegen van Christus

De twee kleine panelen, die oorspronkelijk deel uitmaakten van een altaarstuk met de Kroning van de Maagd, maakten deel uit van het artistieke ensemble dat de kerk van San Francesco in Fabriano sierde.

Dit altaarstuk, voltooid in 1493 en getekend door de beroemde Carlo Crivelli, was voorbestemd om het middelpunt te worden van de religieuze verering in de kerk. De panelen, samen met tien andere afbeeldingen van heiligen, maakten deel uit van de predella die in een boogvenster was geplaatst.

In de 18e eeuw werd de kerk echter verbouwd en werden de kunstwerken verwijderd. Het centrale altaarstuk met de Piëta en de Kroning bevindt zich nu in de Pinacoteca di Brera in Milaan. De predella daarentegen werd opgesplitst en verspreid in verschillende delen en kwam terecht in privécollecties in Frankrijk en Hongarije.

De twee panelen in kwestie, die de Zegenende Christus en de Heilige Eer voorstellen, bevonden zich waarschijnlijk respectievelijk in het midden en aan de rechterkant van de predella, zoals wordt gesuggereerd door de opstelling van de figuren en hun relatie met de omringende ruimte.

De stijl van deze werken wordt gekenmerkt door de precieze en nauwgezette tekening die typerend is voor de laatste fasen van Crivelli’s artistieke carrière, waarin de expressiviteit van details belangrijker is dan de chromatische weergave. Dit is duidelijk te zien in de intense uitdrukking van de heilige Onofrio, wiens gekwelde gezicht een diepe emotionaliteit overbrengt op de kijker.

Klaagzang over de dode Christus

De beeldengroep rond het lichaam van Christus dat net van het kruis is afgeworpen, is een krachtig portret van de zeven treurende figuren rond dit cruciale moment in de christelijke geschiedenis. Nicodemus, de jonge Johannes de Evangelist en de drie Maria’s staan naast de Maagd, gemakkelijk te herkennen aan haar traditionele rode gewaad en blauwe mantel. De groep wordt afgesloten door Jozef van Arimathea, oorspronkelijk afgebeeld met de spijkers van het kruis en de hamer in zijn handen.

De figuren vertonen een archaïsche kalmte die contrasteert met de sterk pathetische uitdrukkingen op hun gezichten, waardoor een spannend contrast ontstaat. Deze traditie van houten groepen gewijd aan dit devotionele thema, van transalpine oorsprong, verspreidde zich aan het begin van de 15e eeuw naar Noord-Italië en kende een groot succes in de daaropvolgende eeuwen.

De maker van de groep is helaas onbekend gebleven, maar recente studies suggereren dat het gemaakt zou kunnen zijn door een gespecialiseerde werkplaats, waarschijnlijk van Lombardisch-Piëmontese oorsprong maar actief in het Ligurische gebied. Onder de voorgestelde vergelijkingen zijn overeenkomsten te vinden met de Lamentatie in het Museo Civico di Arte Antica in Turijn, een werk van Domenico Mezzagora dat dateert uit het einde van de 15e eeuw, en met het houten kruisbeeld in de kerk van Sant’Ambrogio in Varazze, dat dateert uit 1440-50, vooral wat betreft de Christusfiguur.

Groteske decoratie – detail (Cagliostra)

De decoratieve smaak van grotesken, die zich ontwikkelde tot een autonome artistieke stijl tijdens de Renaissance, heeft zijn wortels in de oude tradities van geschilderde ornamenten of reliëfs in de gebouwen van het oude Rome. Deze karakteristieke stijl bestaat uit een verscheidenheid aan kleine figuren, gemaakt van stucwerk of geschilderd in fresco, op een neutrale achtergrond. Maskers, genieën, ingewikkelde plantenvormen, menselijke, dierlijke en monsterlijke wezens worden afgewisseld met mythologische scènes en landschappen tussen fantasierijke kaders.

De eerste vermeldingen van dit type decoratie gaan terug tot Vitruvius en Plinius, die ze beschreven als vrijetijdselementen om het interieur van woningen te verfraaien. Belangrijke voorbeelden van deze stijl zijn te vinden in het Huis van Livia in Prima Porta en in Pompeii, waaronder het Huis van de Faun, de Villa van de Mysteries en het Huis van de Vetii. In het 16e-eeuwse Rome inspireerden de stucdecoraties op de bogen van het Colosseum talrijke kunstenaars, zoals Luzio Romano, die ze in vele tekeningen reproduceerde.

De ontdekking in 1480 van de ‘Grotten’ van Nero’s Domus Aurea in Rome gaf echter een nieuwe impuls aan de kunstenaars van de 15e en 16e eeuw. Deze kunstenaars, beïnvloed door humanistische idealen, beschouwden de Romeinse oudheid als een gouden periode voor kunst en cultuur. Kunstenaars als Brunelleschi, Donatello en Rafaël verkenden de Grotten en startten een artistieke opleving waarbij veel andere kunstenaars uit die periode betrokken waren, zoals Giovanni da Udine, Giulio Romano en Perin del Vaga.

Deze artistieke opleving kwam tot uiting in werken zoals de Loggetta en Stufetta van kardinaal Bibbiena in het Vaticaanse paleis, de Loggia’s van het Vaticaan, Villa Madama en de pauselijke flats in Castel Sant’Angelo. De populariteit van grotesken zette zich in de volgende eeuwen voort, met kunstenaars zoals de gebroeders Zuccari die het Palazzo Farnese in Caprarola decoreerden. Met de ontdekking van Herculaneum en Pompeii in de 18e eeuw werd de smaak voor deze uitbundige stijl vernieuwd en beïnvloedde ook de toegepaste kunst.

Het bad van Dosso Dossi

Op dit raadselachtige schilderij verzamelt een groep mannen en vrouwen zich aan de oever van een rivier op een rustige open plek. Sommigen spelen op muziekinstrumenten, terwijl de naakte figuren een erotisch thema suggereren. Op de voorgrond spelen twee cupido’s met een hond en een aap, symbolen die zowel trouw als lust kunnen oproepen.

De auteur van dit werk is Dosso Dossi, een van de meest raadselachtige kunstenaars van de Italiaanse Renaissance. Dit schilderij, bekend als‘Il Bagno‘, is lang geïdentificeerd als de ‘bagnaria d’huomeni’ die Giorgio Vasari noemt in de albasten kamer van Alfonso d’Este in Ferrara. Er wordt echter aangenomen dat het is geschilderd tijdens Dosso’s Venetiaanse opleiding, kort voor 1514, toen hij naar het hof van Este verhuisde.

De belangrijkste invloeden in thema en compositie komen van kunstenaars als Giorgione en Titiaan, maar ookvan hetneoplatonistische culturele milieu van de jaren 1510-1513. Dosso mengt de natuurlijkheid van gebaren met verwijzingen naar de oudheid, zoals in het geval van het model van de ‘spinario’ van de jonge vrouw die haar voet droogt op de voorgrond.

Dit schilderij, gekenmerkt door een dromerige sfeer rijk aan symbolische verwijzingen, valt op in het panorama van de vroeg 16e-eeuwse Italiaanse schilderkunst. Het vertegenwoordigt een belangrijk moment in de carrière van Dosso, die zich verder ontwikkelde aan het verfijnde hof van Ferrara, waar de kunstenaar samen met de dichter Ludovico Ariosto een van de belangrijkste exponenten werd.

Feest van de Goden – Kopie van Giovanni Bellini

In dit bucolische tafereel staat een verzameling mythologische personages centraal. Mercurius is gemakkelijk te herkennen aan de helm en de caduceus die hij draagt. Achter hem draagt een sater op een dienblad voedsel voor een banket, gevolgd door andere personages. Rechts van de compositie lijkt een slapende nimf, mogelijk dronken, het voorwerp van een strik. De scène lijkt te zijn geïnspireerd op de episode van de hulde aan Cybele die Ovidius beschrijft in de Fasti.

Dit schilderij is een 17e-eeuwse kopie van een werk van Giovanni Bellini, waarschijnlijk rond 1509 geschilderd in opdracht van Isabella d’Este in Mantua. In 1514 werd het werk geplaatst in de kleedkamer van Alfonso d’Este in het kasteel van Ferrara en geretoucheerd door Titiaan. Het origineel, dat in 1598 in Rome aankwam na de annexatie van Ferrara aan de Pauselijke Staten, bevindt zich nu in de National Gallery of Art in Washington. Een tweede kopie, ook uit de 17e eeuw, bevindt zich in de National Gallery of Scotland in Edinburgh.

Luca Longhi, Jonge vrouw met eenhoorn

Jonge vrouw met eenhoorn: Bron Wikimedia

Op het schilderij is een jonge vrouw ondergedompeld in een sereen en transparant landschap, zittend naast een eenhoorn en met het gezicht naar de kijker. Met een uitnodigend gebaar wijst de vrouw naar het dier, dat op zijn beurt naar haar lijkt te kijken. Aangenomen wordt dat de afgebeelde figuur Giulia Farnese is, de invloedrijke zus van paus Paulus III, afgebeeld met heraldische symbolen. De Maagd met de Eenhoorn, symbool van zuiverheid, was gedurende meerdere generaties het embleem van de familie Farnese.

De kunstenaar die dit portret maakte was Luca Longhi, een schilder uit Romagna bekend om zijn familieportretten en beïnvloed door Leonardo’s stijl, vooral wat betreft het gebruik van licht, vooral in de landschappen die de achtergrond van zijn werken vormen. Sommige geleerden suggereren echter dat de auteur van het schilderij de dochter van de schilder kan zijn geweest , Barbara, over wie weinig bekend is. De compositie is echter gebaseerd op een tekening van Leonardo die wordt bewaard in het Ashmolean Museum in Oxford.

De melancholische en afstandelijke blik van de jonge vrouw lijkt het beeld te bevriezen in een moment van reflectie, bijna een waarschuwing of een symbool. Deze idealisering kan zijn gevraagd door de opdrachtgevende familie, aangezien het werk werd gemaakt na Giulia’s dood in 1524.

De heilige Hiëronymus door Lorenzo Lotto

In een woest en onherbergzaam landschap is de heilige Hiëronymus, een vaderlijke figuur van de Kerk, afgebeeld in zijn dubbele gedaante van geleerde en boeteling. Op de voorgrond, vergezeld door de trouwe leeuw, symbool van zijn legendarische vriendschap met dieren, staat hij in een houding die doet denken aan het oude beeld van een riviergod, verzonken in meditatie over de Heilige Schrift. De heilige Hiëronymus was de eerste vertaler van de Bijbel in het Latijn en hier zien we hem opgaan in zijn werk van studie en contemplatie.

In de verre achtergrond links, op een rotspunt, is de figuur van de heilige Hiëronymus te zien die zich vurig richt tot het kruisbeeld. Als de blik van de heilige zich naar rechts wendt, wordt het landschap geleidelijk zachter en wordt de aanwezigheid van een kasteel zichtbaar dat doet denken aan Castel Sant’Angelo door zijn vorm en de nabijheid van de brug over een bocht in de rivier. Dit uitzicht, dat overeenkomt met het perspectief vanaf de heuvel Janiculum, heeft het mogelijk gemaakt om de oorspronkelijke locatie van het schilderij in de kerk van Sant’Onofrio te identificeren, in het bijzonder in de kapel gewijd aan de heilige Hiëronymus, die toebehoorde aan de aartsbisschop van Taranto, Enrico Bruni.

Bruni, een invloedrijk lid van de Romeinse Curie, was er voorstander van dat Lorenzo Lotto in 1509 werd geïntroduceerd in de vertrekken van het Vaticaan, waarmee de prestigieuze carrière van de kunstenaar begon.

Luca Signorelli, Madonna met kind en heiligen

Het altaarstuk, gemaakt in opdracht van de nonnen van het klooster San Michelangelo in Cortona en vermeld in het testament van de kunstenaar, toont de kenmerken van Luca Signorelli’s volwassen stijl. Signorelli, die diepgaand was beïnvloed door de school van Piero della Francesca, laat deze erfenis duidelijk zien, vooral in de compacte helderheid van de kleuren en de monumentale constructie van de figuren. Echter, in tegenstelling tot de kalmte die typerend is voor Piero della Francesca’s stijl, vertoont zijn werk een grotere aandacht voor anatomische details en een meer uitgesproken dynamiek, het resultaat van zijn Florentijnse ervaring en de invloed van kunstenaars als Pollaiolo.

Deze vernieuwende stijl wekte de interesse van jonge kunstenaars zoals Michelangelo, die samen met Signorelli aanwezig was aan het hof van Lorenzo de Magnifieke in Florence. Signorelli, met zijn benadering die een evenwicht vond tussen een sobere spiritualiteit, typisch voor de Middeleeuwen, en een extreme plastische weergave die de traditionele patronen van de 15e-eeuwse schilderkunst uitdaagde, bleek een perfecte getuige van de overgangsperiode van artistieke waarden aan het einde van de 15e eeuw. Dit contrast wordt ook weerspiegeld in zijn beroemdste werk, de cyclus van de Apocalyps in de kapel van San Brizio in de kathedraal van Orvieto (1499-1502).

In het altaarstuk, dat mogelijk zijn laatste werk was, valt de figuur van de Maagd op door zijn meesterlijke uitvoering in vergelijking met de andere afgebeelde personages, zoals de engelen en heiligen. De Maagd, net de lucht in gehesen op een wolk van cherubijnen, komt tevoorschijn als een gigantische figuur in een ruimte die gedomineerd wordt door de andere figuren. Het altaarstuk kwam naar het museum met een predella met een voorstelling van Verhalen van de Doper, waarvan de relatie met het hoofdwerk sinds de schenking in twijfel wordt getrokken.

Pellegrino Tibaldi – Sint-Michaël Aartsengel

Pellegrino Tibaldi, een schilder en architect uit Lombardije maar met een artistieke opleiding in Bologna, kwam waarschijnlijk al in 1543 naar Rome. Hier onderscheidde hij zich door naast Daniele da Volterra te werken aan de Orsini-kapel in Trinità dei Monti en samen te werken met Perin del Vaga aan de decoratie van de Sala Regia in het Vaticaan en Castel Sant’Angelo.

Van Daniele da Volterra kreeg Tibaldi een sterk plastische stijl, duidelijk beïnvloed door Michelangelo, terwijl hij van Perin del Vaga een meer verfijnd intellectualisme kreeg. Vóór de dood van Perin vestigde Tibaldi zich als een van de belangrijkste uitvoerders van zijn ontwerpen voor Castel Sant’Angelo, waarbij hij ook blijk gaf van een aanzienlijke autonomie in het creatieve proces.

In het schilderij van de aartsengel Michael, beschermer van het kasteel, beeldt Tibaldi de figuur af met een weelderige mantel en een kort harnas dat door de wind waait. De machtige figuur van de aartsengel lijkt onstuimig voorwaarts te bewegen terwijl hij zijn zwaard losmaakt, wat herinnert aan het legendarische moment van de verschijning van de engel bovenop het kasteel en het daaropvolgende einde van de plaag.

In 1549 maakte Tibaldi de Aanbidding van de herders, nu in de Galleria Borghese, waar dezelfde sculpturale vormen van de personages te zien zijn, hun intense gebaren en een perspectief dat hun bewegingen volgt. Na zijn ervaring in Castel Sant’Angelo zette Tibaldi de compositieschema’s die hij tijdens zijn verblijf in Rome had geleerd voort in het Palazzo Poggi in Bologna in 1552.

Perin del Vaga – Alexander de Grote laat de werken van Homerus in een kist plaatsen

De scène beeldt het moment uit waarop Alexander de Grote opdracht geeft om de Homerische gedichten in een kist te bewaren, een gebaar dat de verfijnde cultuur en liefde voor klassieke teksten viert van Paulus III Farnese, de paus die opdracht gaf voor het werk. Deze iconografische keuze benadrukt de gelijkenis tussen de paus en de Macedonische heerser uit de Oudheid, die niet alleen bekend stond om zijn militaire heldendaden, maar ook om zijn band met Aristoteles.

Perino del Vaga, de schilder die verantwoordelijk was voor het fresco, maakte de voorbereidende cartoons voor deze scène en liet de picturale realisatie over aan zijn medewerkers, waarmee hij de praktijk volgde die hij van zijn meester Rafaël had geërfd. Pellegrino Tibaldi en Domenico Zaga, die de leiding overnamen na de dood van Perino, waren voornamelijk verantwoordelijk voor de uitvoering van de monochrome panelen langs de twee grootste zijden van de zaal.

De Sala Paolina werd gedecoreerd tussen januari en juli 1547, en naast de kistscène met Homerische gedichten werden er ook andere scènes met betrekking tot Alexander de Grote geschilderd. Aan de rechterkant van de hal, naast de kistscène, zijn afbeeldingen te zien van Alexander die de Gordiaanse knoop doorhakt en zijn clementie tegenover de familie van Darius. Aan de linkerkant daarentegen zijn scènes te zien waarin Alexander vrede sluit tussen twee kameraden en de arken van het Verbond inwijdt.

Ondanks de verschillende handen die bij de uitvoering betrokken waren, zijn de scènes stilistisch homogeen. De monumentaliteit van de figuren en de plechtige toon van de decoratieve cyclus roepen de directe vergelijking op met meesterwerken zoals Michelangelo’s Laatste Oordeel in de Sixtijnse Kapel.

Perin del Vaga – Cupido en Psyche

Het beroemdste paneel in de Zaal van Cupido en Psyche in Castel Sant’Angelo werd ontworpen door Perin del Vaga, samen met de anderen die deel uitmaken van de frescocyclus. De inspiratie voor dit werk werd gehaald uit de dertiende van 33 gravures gemaakt door de Maestro del Dado en Agostino Veneziano, gebaseerd op tekeningen van de Vlaamse kunstenaar Michiel Coxcie tussen 1532 en 1535, die erg populair waren in die tijd.

Het paneel is verdeeld in drie verschillende momenten, waarbij de tijdsvolgorde van rechts naar links wordt gevolgd. Rechts verwondt Psyche zichzelf met de pijl van de Liefde, gehuld in schaduw. In het midden nadert Psyche, met een lamp in de hand, haar slapende bruidegom die zijn wapens heeft achtergelaten. Aan de linkerkant vliegt Love, wakker en teleurgesteld, weg en laat Psyche in wanhoop achter, zoals verteld in Boek V, Hoofdstuk 23 van Apuleius’ Gouden Ezel.

Als de compositie trouw het model van de gravure volgt, komt Perino del Vaga’s stijl volledig tot uiting in de manier waarop hij het tafereel afbeeldt. Zijn stijl combineert Raphaeleske naturalistische harmonieën met een intellectuele abstractie, beïnvloed door het verfijnde maniërisme van Rosso Fiorentino en Primaticcio.

De centrale scène opent zich naar de toeschouwer toe als een toneel, begrensd door het baldakijn en verlicht door de lamp die wordt vastgehouden door Psyche, die het licht reflecteert op de figuren. De figuren van de geliefden zijn zacht gemodelleerd, met lange, slanke ledematen die afsteken tegen het wit van de lakens, in contrast met de rode gordijnen.

Deze cyclus fresco’s over de fabel van Cupido en Psyche was een referentiepunt voor andere soortgelijke werken die na het midden van de 16e eeuw werden geschilderd, zoals die in Palazzo Spada Capodiferro en Palazzo Vitelli in Sant’Egidio, beide geschilderd in het volgende decennium.

Perin del Vaga – Perseus

De realisatie van het plafond en het fries van de Perseuszaal vond plaats tussen augustus 1545 en mei 1546, tegelijkertijd met de werkzaamheden in de aangrenzende zalen van Cupido en Psyche en Pauline, en in de Sala Regia in het Vaticaan. Het is waarschijnlijk dat de Perseus-verhalen, ontworpen door Perin del Vaga zoals blijkt uit de vele voorbereidende tekeningen, werden voltooid door medewerkers. Dit neemt echter niet weg dat de frescocyclus van de hoogste picturale kwaliteit is.

De laatste scène bestaat uit drie verschillende episodes. Links is Perseus afgebeeld, voorovergebogen, zijn wapens neergelegd, teruggekeerd van de prestatie waarbij hij het zeemonster versloeg dat Andromeda bedreigde. Op de achtergrond achter hem wordt deze episode in herinnering gebracht. Uit het afgehakte hoofd van Medusa ontspringt op wonderbaarlijke wijze koraal, terwijl dansende maagden in het water van de zee getuige zijn van dit wonder. Rechts, in de verte, vindt het huwelijksbanket tussen Perseus en Andromeda plaats in een open architectuur, waarachter een stad in een onwerkelijke sfeer te zien is.

De bijna kinetische dynamiek die verschillende sequenties van het verhaal in dezelfde ruimte samenbrengt, treft de toeschouwer. De getrouwheid aan het ontwerp van het voltooide werk toont aan dat de autonomie van de uitvoerder (waarschijnlijk Domenico Zaga of Prospero Fontana) beperkt was ten opzichte van de ontwerpfase, waardoor een aanzienlijke homogeniteit met de rest van het fries werd gegarandeerd. De afgebeelde episodes, met als hoogtepunt het gelukkige bruiloftsmaal, symboliseren de terugkeer naar orde en harmonie na het trauma van de Reformatie.

Ambrogio Zavattari en werkplaats, Polyptiek

Het veelluik dat wordt toegeschreven aan de Zavattari werd gedateerd tussen 1444 en 1450 door de criticus Roberto Longhi, gebaseerd op stilistische vergelijkingen met de frescocyclus ter illustratie van de Verhalen van Theodolinda in de kathedraal van Monza. Deze cyclus, gedateerd 1444, is een autograaf werk van de familie Zavattari, die tot de belangrijkste exponenten van de gotische hoofse stijl in Lombardije behoorde.

Vijf van de zeven panelen van het veelluik zijn in het Nationaal Museum van Castel Sant’Angelo terechtgekomen in een 19e-eeuwse neogotische lijst. De andere twee panelen, met de afbeeldingen van de heilige Benedictus en de heilige Antonius Abt, werden in 1957 geïdentificeerd als delen van hetzelfde veelluik en pas in 2000 door het museum verworven.

De oorspronkelijke locatie van het veelluik is onbekend, maar er is gesuggereerd dat het misschien bedoeld was voor het altaar van de kathedraal van Milaan, gezien de aanwezigheid van de heilige Ambrosius en de heilige Victor, twee heiligen die in de Lombardische stad bijzonder worden vereerd.

Beelden en sculpturen

Sint-Michaël aartsengel door Raffaello da Montelupo (Raffaele Sinibaldi)

Het beeld van Sint-Michaël de Aartsengel, dat wordt toegeschreven aan de beeldhouwer en architect die Paulus III dierbaar was, werd geïdentificeerd dankzij de ontdekking van betalingen die tussen juli en oktober 1544 werden gedaan. Het is het enige overgebleven beeld van de vele voorstellingen van de aartsengel die ooit de top van het kasteel sierden voordat ze in de 18e eeuw werden vervangen.

In het beeld draagt Sint-Michaël een lang gewaad, in lijn met de laatmiddeleeuwse iconografische traditie, terwijl de helm aan zijn voeten een vorm heeft die gebruikelijk was in de eerste helft van de 15e eeuw. Het kuras wordt vastgehouden door schouderbanden met de Farnese fleur-de-lis, het symbool van de familie van de beschermheer, en het te grote hoofd wordt gerechtvaardigd door de oorspronkelijke locatie, die een onderaanzicht inhield.

Het originele beeld had geschilderde en vergulde metalen vleugels, geperforeerd om windwrijving te verminderen. Er wordt aangenomen dat deze versie vrij trouw is aan het prototype dat rond 1450 voor Nicolaas V werd gemaakt en dat verloren ging bij de explosie in 1492. Het gezicht van de Engel vertoont echter een eigenaardigheid, die doet denken aan dat van het beeld van Leah in de tombe van Julius II in San Pietro in Vincoli, waar Montelupo, de beeldhouwer van dit werk, samenwerkte met Michelangelo.

Het beeld van Sint-Michaël werd in 1660 gerestaureerd door Gian Lorenzo Bernini na ernstige schade, en in 1752 werd het vervangen door een bronzen beeld van Pieter Anton Verschaffelt. Het werd eerst verplaatst naar een nis in de cordonade van Paulus III en vervolgens geplaatst in de binnenplaats die naar hem werd vernoemd in 1910.

Pieter Anton Verschaffelt – Sint-Michaël Aartsengel

In 1746 kondigde paus Benedictus XIV Lambertini een wedstrijd aan voor een nieuw standbeeld van de Engel voor Castel Sant’Angelo, ter gelegenheid van het jubileum van 1750. De winnaar van deze wedstrijd was de Vlaamse kunstenaar Peter Anton Verschaffelt, die zijn opleiding in Parijs had genoten bij de beeldhouwer Edmé Bouchardon en zich in Rome al had onderscheiden als portretschilder van de paus.

Het maken van het beeld had wat voeten in de aarde vanwege de grote hoeveelheid metaal die nodig was. Het werd gegoten in Civitavecchia door Francesco Giardoni en pas op 28 juni 1752 ingehuldigd op de top van Castel Sant’Angelo. Oorspronkelijk was het beeld bedekt met een gouden oppervlak, behalve het harnas, dat bedekt was met zilverfolie.

Het engelenbeeld, bestaande uit 35 stukken, werd gemaakt met behulp van de giettechniek die bekend staat als ‘a forma buona’, een variatie op de ‘verloren was’ techniek . Een intern raamwerk, bestaande uit twee gekruiste hoofdpennen, werd gebruikt om de structuur te ondersteunen. Dit originele raamwerk werd in 1986 vervangen door een raamwerk van roestvrij staal en titanium en is nu te zien in de Rotondehal.

Buste van keizer Hadrianus

Kapitale fragmenten

Fragmenten van standbeelden

Buste van Hadrianus

Buste van Togato

Deze werken, met hun verscheidenheid en schoonheid, verrijken het artistieke erfgoed van Castel Sant’Angelo en bieden bezoekers een onvergetelijke ervaring en een reis door de geschiedenis en de kunst.